Ibanez : Comment une copie japonaise est devenue une légende
Quand on pense aujourd'hui à Ibanez, on a immédiatement des images claires en tête : des manches ultra-rapides et fins comme une plume, des couleurs néon éclatantes, des vibratos flottants et des virtuoses comme Steve Vai, Joe Satriani ou des talents exceptionnels modernes comme Tim Henson, qui tirent des sons apparemment impossibles de leurs instruments. Ibanez incarne la perfection moderne, la « Superstrat » ultime, le son du nu-metal et une innovation incessante dans la fabrication de guitares.
Mais la vérité est la suivante : l'un des plus grands et innovants fabricants de guitares au monde n'a pas commencé son ascension par ses propres inventions. Il a commencé par copier les designs légendaires de Gibson, Fender et Rickenbacker – avec une telle précision que cela s'est finalement terminé devant les tribunaux.
Bienvenue sur patsguitars.de! Dans cette plongée ultime, nous explorons en profondeur l'histoire fascinante d'Ibanez. Nous retraçons le parcours d'un petit département de librairie à l'ère tristement célèbre des « Lawsuit », jusqu'au leader mondial qui a révolutionné la fabrication de guitares. Prends un café, ça va être un voyage passionnant à travers l'histoire de la guitare électrique.
Les premières années : racines espagnoles et une librairie japonaise
Pour comprendre l'ADN d'Ibanez, il faut remonter loin dans le passé – et, de manière surprenante, pas au Japon, mais en Espagne.
Le nom « Ibanez » vient du luthier espagnol très respecté Salvador Ibáñez (1854–1920), dont les excellentes guitares acoustiques classiques étaient appréciées dans le monde entier à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Ses instruments étaient réputés pour leur finition impeccable et leur son chantant. À la même époque, il existait au Japon une entreprise appelée Hoshino Gakki, fondée à l'origine en 1908 par Matsujiro Hoshino en tant que librairie (« Hoshino Shoten »).
La famille Hoshino a rapidement compris que non seulement les livres, mais aussi les instruments de musique et les partitions constituaient un commerce lucratif. Ils ont commencé dans les années 1920 à importer au Japon les guitares haut de gamme de Salvador Ibáñez pour répondre à la demande croissante d'instruments occidentaux.
Mais la guerre civile espagnole (1936–1939) et les conflits mondiaux qui ont suivi ont réduit en ruines les ateliers en Espagne. Les livraisons d'Europe ont cessé. Hoshino Gakki a réagi de manière pragmatique et visionnaire : au lieu d'abandonner le marché, ils ont simplement acheté les droits du nom « Ibanez Salvador » et ont commencé à fabriquer eux-mêmes des guitares acoustiques au Japon. « Ibanez Salvador » est devenu avec le temps simplement : Ibanez.
Les années 50 et 60 : formes bizarres et premier boom des guitares électriques
Après la Seconde Guerre mondiale, porté par l'essor du rock 'n' roll, Ibanez a commencé à produire des guitares électriques. Aujourd'hui, trouver une Ibanez des années 50 ou début 60 surprendrait : ces instruments avaient peu à voir avec les machines haute performance actuelles. C'étaient souvent des designs sauvages et bizarres, avec d'innombrables interrupteurs, des micros étranges et des manches épais et massifs. Ils concurrençaient des marques comme Teisco ou Guyatone sur les marchés domestique et américain. Ils étaient bon marché, avaient un look décalé, mais en termes de jeu et de son, ils étaient encore très loin des originaux américains.
Fait SEO & savoir de nerd : Hoshino Gakki ne possède toujours pas de grandes usines propres pour la production de masse de guitares. Ils sont essentiellement une entreprise de distribution et de développement. Ils font fabriquer – un concept qui, plus tard, grâce à la collaboration avec la légendaire usine Fujigen Gakki, devait mener à une renommée mondiale et une qualité inégalée.
Les années 70 sauvages : l'ère des « Lawsuit » et le respect des grands
Avançons jusqu'au début des années 1970. La pop et le rock explosaient, les groupes remplissaient les stades, et la demande pour des guitares électriques de haute qualité était gigantesque. Les géants américains Fender et Gibson dominaient le marché, mais leurs instruments étaient hors de portée financière pour beaucoup de jeunes musiciens.
De plus, les deux marques américaines souffraient dans les années 70 de fluctuations massives de qualité et de mesures d'économie. Chez Fender, on parle souvent avec mépris de « l'ère CBS » (lorsque la chaîne de télévision CBS a acheté l'entreprise et a utilisé des corps en frêne lourd avec des couches épaisses de vernis), chez Gibson de la tristement célèbre « ère Norlin » (caractérisée par des manches en plusieurs parties, des corps en forme de crêpe et un contrôle qualité souvent défaillant).
C'était la fenêtre parfaite pour Ibanez. Hoshino Gakki a donné à l'usine Fujigen l'ordre clair : copiez les modèles américains les plus populaires – Les Pauls, Stratocasters, Telecasters, SGs, Explorer et Flying Vs – et rendez-les abordables.
Le saut qualitatif et l'arme secrète « Super 70 »
Au début, ces copies étaient encore conçues de manière économique. Les premières copies Ibanez Les Paul (souvent appelées série 23xx) avaient par exemple des manches vissés (« bolt-on ») au lieu des manches collés habituels chez Gibson, et le bois était souvent du contreplaqué de acajou plutôt que du bois massif.
Mais les ingénieurs japonais de Fujigen ont appris incroyablement vite. À partir de 1974/1975 environ, la qualité s'est nettement améliorée. Ibanez a commencé à utiliser des bois massifs, à coller correctement les manches et à améliorer considérablement le matériel.
Un facteur décisif pour le succès de ces guitares était les micros. Ibanez (en collaboration avec Maxon) a développé les humbuckers « Super 70 ». Ces micros avec aimants Alnico-VIII avaient un son phénoménal – incisif, articulé et chaleureux. L'exemple le plus célèbre ? Eddie Van Halen jouait sur le premier album de Van Halen (« Van Halen I ») une grande partie des guitares rythmiques non pas sur sa célèbre « Frankenstrat », mais sur une Ibanez Destroyer modèle 2459 (une copie exacte de la Gibson Explorer en bois de korina), équipée de ces fameux micros Super 70.
Au milieu des années 70, les copies Ibanez étaient d'une qualité non seulement équivalente, mais parfois même supérieure aux originaux américains de l'époque Norlin ou CBS. Une meilleure frettage, des finitions soignées et une électronique fiable faisaient de ces instruments des choix secrets parmi les professionnels.
La plainte (The Lawsuit)
Gibson ne pouvait plus laisser passer cela. En 1977, la société mère de Gibson, la Norlin Corporation, en avait assez. Elle a déposé une plainte devant le Federal District Court de Philadelphie contre Elger Guitars (la filiale nord-américaine de distribution de Hoshino, basée à Bensalem, Pennsylvanie).
Le mythe : On entend souvent dans les forums et de la part des vendeurs que Gibson aurait poursuivi Ibanez pour avoir copié intégralement les formes des guitares ou les bois utilisés.
La vérité : La plainte portait exclusivement sur le droit des marques concernant le design de la tête de manche. Ibanez avait repris à l'identique la tête de manche distinctive « Open Book » (livre ouvert ou aussi appelée « Moustache ») de la Gibson Les Paul.
Ironiquement, la plainte est en fait arrivée trop tard. Ibanez avait déjà modifié la forme de la tête de manche (la fameuse tête dite « Guild-Style » ou « Tulip ») fin 1976 pour le marché américain, afin d'éviter précisément ce genre de problèmes. La plainte a été rapidement réglée à l'amiable. Mais le terme « Guitare Lawsuit » était né.
Aujourd'hui, ces instruments (avec la tête de manche Gibson exacte, produits avant 1977) sont des pièces de collection extrêmement prisées, atteignant des prix élevés sur le marché de l'occasion car ils représentent l'âge d'or de l'art japonais de la copie.
Du copieur à l'innovateur : la naissance d'une identité propre
Le litige fut un réveil brutal. Hoshino Gakki comprit qu'à long terme, il ne suffisait pas de survivre et de grandir en tant que "champion de la copie". Il fallait une identité propre, des designs originaux et des innovations techniques pour être perçu comme une marque premium. Ce qui suivit à la fin des années 70 et au début des années 80 fut une explosion créative qui posa les bases du mythe Ibanez.
1. L'Ibanez Iceman
L'une des premières formes vraiment radicales et totalement originales fut l'Ibanez Iceman (initialement introduite au milieu des années 70 sous le nom Artist 2663). Avec son corps asymétrique, presque extraterrestre, elle semblait venir d'une autre dimension. Le grand succès de ce modèle arriva lorsque Paul Stanley, chanteur et guitariste rythmique de KISS, fit de l'Iceman sa guitare principale. Ibanez lui construisit le modèle signature PS10 – une version luxueuse avec binding et incrustations spéciales en miroir. L'Iceman prouva au monde qu'Ibanez pouvait créer un design cool et original qui fonctionnait sur les plus grandes scènes du monde.
2. La série Artist (AR)
Alors que l'Iceman s'adressait aux rockeurs de scène, Ibanez attaquait directement la Gibson Les Paul avec la série Artist (AR) – mais plus comme une simple copie bon marché, plutôt comme une évolution réfléchie.
Avec un design symétrique à double pan coupé, des manches collés, des tables en érable fantastiques et des blocs massifs en laiton sous le chevalet pour un sustain quasi infini ("Sustain Block"), l'Artist était une guitare de luxe absolue. S'ajoutaient les commutateurs "Tri-Sound" permettant de splitter, de brancher en parallèle ou en série les micros Super 80 "Flying Finger" nouvellement développés. Les modèles AR étaient des caméléons tonaux offrant une qualité de fabrication qui faisait paraître les instruments Custom Shop américains les plus chers comme dépassés.
3. George Benson et la révolution Archtop
Parallèlement au monde du rock, Ibanez a accompli quelque chose d'incroyable : ils ont gagné pour eux le super star absolu du jazz, George Benson. La Ibanez GB10 (introduite en 1977) fut le tout premier modèle signature officiel d'Ibanez et est encore produite sans interruption à ce jour.
Benson jouait cette petite archtop compacte non pas parce qu’Ibanez lui offrait le plus d’argent, mais parce qu’elle résolvait ses problèmes. Elle était plus petite, ne perdait pas rapidement en volume sur les scènes bruyantes comme les grandes boîtes jazz traditionnelles et possédait des "micros flottants" qui laissaient la table vibrer librement. Peu après, des légendes du jazz comme John Scofield (série JSM) et Pat Metheny (série PM) ont suivi. Ibanez faisait soudainement partie de l’élite du jazz.
Les années 80 : Superstrats, shredder et la décennie de la vitesse
Si les années 70 ont apporté le respect à Ibanez, les années 80 ont apporté la domination mondiale absolue dans le rock. Ce fut la décennie du heavy metal, du glam rock et des innombrables notes par seconde. Les "Guitar Heroes" étaient nés.
Les guitaristes ne voulaient plus de manches vintage encombrants ; ils voulaient des touches plates et ultra-rapides, des échancrures profondes pour un accès facile à la 24e frette et surtout : des systèmes de vibrato permettant de détendre complètement les cordes ("Dive Bombs") ou de les tirer très haut sans que la guitare ne se désaccorde d’un centime.
Les Stratocasters traditionnelles ou les Les Paul semblaient soudain démodées. Des marques comme Kramer, Charvel et Jackson prospéraient, mais Ibanez ripostait avec un incroyable savoir-faire japonais.
Le manche "Wizard" : une ergonomie repensée
Ibanez a révolutionné le profil du manche. Le légendaire manche Wizard (introduit à la fin des années 80) était incroyablement fin (souvent seulement 17 mm au premier frette et 19 mm à la 12e) et possédait une touche extrêmement plate (par exemple 430 mm / 17 pouces de rayon). Cela permettait une action des cordes incroyablement basse sans bourdonnement. Des techniques comme le tapping à deux mains, le sweep-picking et le legato ultra-rapide étaient grandement facilitées par cette ergonomie. Le manche Wizard est devenu la norme industrielle pour les guitares shredder.
Le Edge Tremolo : Floyd Rose à la perfection
Alors que presque tous les fabricants dans les années 80 utilisaient le vibrato Floyd Rose sous licence, Ibanez a fait un pas de plus en développant le système en interne. Le Ibanez Edge Tremolo (plus tard complété par le Lo-Pro Edge encore plus plat) est considéré par de nombreux luthiers de renom et professionnels comme le meilleur vibrato double-locking au monde.
Pourquoi ? Parce que les tranchants des lames étaient plus robustes, le levier était inséré plutôt que vissé (ce qui empêchait les vibrations gênantes) et les mécanismes plus fins offraient une stabilité d'accord incomparable.
La naissance des séries RG et S
En 1987, Ibanez a présenté la série RG. Avec son double pan coupé pointu et agressif, ses 24 frettes, sa configuration de micros H-S-H (Humbucker-Singlecoil-Humbucker) pour une polyvalence sonore maximale et sa forme de corps élancée, la RG est devenue la "Superstrat" ultime. Elle reste à ce jour la série la plus vendue d'Ibanez de loin.
Parallèlement est apparue la série S (Sabre). Ces guitares se distinguaient par leur corps en acajou extrêmement fin et profilé. Elles étaient incroyablement légères, mais offraient malgré tout un son puissant et dense grâce au bois d'acajou lourd.
Héros de la guitare : L'ère des instruments signature
Aucune autre marque n'a poussé la collaboration avec les artistes aussi loin et l'a intégrée aussi étroitement dans la production en série qu'Ibanez. Ils ont compris que le guitariste n'est pas seulement un ambassadeur, mais un co-développeur.
Steve Vai et la JEM colorée
La consécration absolue pour Ibanez est arrivée en 1987. Steve Vai, ancien guitariste de Frank Zappa et David Lee Roth, était le guitariste le plus en vogue et techniquement accompli de la planète. Tous les fabricants le voulaient. Vai a envoyé ses exigences extrêmement spécifiques, presque absurdes, à plusieurs entreprises. Ibanez a livré en un temps record le prototype parfait, construit par le maître artisan Mace Bailey.
De cette collaboration est née la Ibanez JEM. Avec sa poignée distinctive "Monkey Grip" (la poignée intégrée au corps), la cavité de vibrato "Lion's Claw" (permettant un levage extrême du vibrato), les micros DiMarzio colorés et le magnifique incrustation "Tree of Life", la JEM est devenue une icône absolue. La JEM était révolutionnairement chère, mais un succès colossal. Plus important encore : la forme de base de la JEM est devenue le modèle pour la série grand public abordable, l'Ibanez RG.
Joe Satriani et Paul Gilbert
Peu de temps après, ce fut au tour de l'ancien professeur de guitare de Steve Vai : Joe Satriani. La série Ibanez JS a pris une direction complètement différente de la JEM anguleuse. Basée sur la série Ibanez Radius, la JS a un corps arrondi, presque aérodynamique comme une goutte, équipé de micros DiMarzio Humbucker spéciaux et d'un filtre passe-haut.
Même Paul Gilbert (Racer X, Mr. Big) a rejoint la famille Ibanez. Sa série PGM était basée sur la RG, mais sans le système de vibrato (Gilbert préférait les ponts fixes) et se distinguait par les emblématiques ouïes en F peintes.
Les années 90 et 2000 : Nu-Metal, 7 cordes et Djent
Au début des années 90, quand le grunge (Nirvana, Pearl Jam) a envahi le monde de la musique et que les solos de guitare sont soudain devenus « ringards », de nombreux fabricants de superstrats ont vacillé. Ibanez a cependant prouvé une fois de plus son incroyable capacité d’adaptation.
Le boom des 7 cordes et Korn
Dès 1990, Ibanez avait lancé avec Steve Vai la première guitare électrique 7 cordes produite en série, la Universe. Au départ, c’était un produit de niche. Mais au milieu des années 90, un jeune groupe de Bakersfield, Californie, a découvert ces guitares dans des maisons de prêt sur gage : Korn.
Munky et Head de Korn ont accordé la septième corde déjà grave (si) un ton entier plus bas en la, créant un son massif et percussif qui a défini le genre Nu-Metal. Soudain, tous les adolescents voulaient jouer sur une Ibanez 7 cordes. Ibanez a dominé cette décennie et a équipé des groupes comme Limp Bizkit, Slipknot et Fear Factory.
L’ère moderne : 8 cordes, Multi-Scale et la série AZ
Ibanez ne s’est jamais reposé sur ses lauriers. Quand la scène metal progressif (Djent) a demandé des sons plus graves, ils ont construit pour le groupe suédois Meshuggah les premières guitares 8 cordes produites en série.
Avec l’arrivée de guitaristes modernes et techniquement impressionnants comme Tosin Abasi (Animals as Leaders) et Tim Henson (Polyphia), Ibanez a développé des instruments à diapason multiple (Multi-Scale), des guitares sans tête (série Q) et la série AZ. La série AZ était la réponse d’Ibanez au marché des Stratocasters boutique (comme Suhr ou Tom Anderson) – avec des manches en érable torréfié, des profils C plus épais et des micros Seymour Duncan. Une guitare qui maîtrise tout, du jazz clair au metal puissant, et qui est aujourd’hui extrêmement populaire.
Basses et acoustiques : bien plus que des guitares électriques
Même si les guitares électriques sont la vitrine, il ne faut pas oublier les autres segments.
Avec la série Soundgear (SR) Bass, Ibanez a lancé à la fin des années 80 des basses aux manches fins et rapides et aux corps légers et ergonomiques. Elles étaient l’exact opposé des lourdes Fender Precision Bass et sont rapidement devenues les favorites des bassistes de rock, pop et metal.
Dans le domaine des guitares acoustiques et semi-acoustiques, les séries Artcore et Artwood dominent le marché des instruments abordables mais de haute qualité. Pour ceux qui cherchent une guitare jazz, la série Artcore est incontournable sans pour autant exploser le budget.
Une digression historique : la légendaire pédale verte (Tube Screamer)
On ne peut pas écrire un article épique sur l'histoire d'Ibanez sans mentionner une petite boîte verte discrète. À la fin des années 1970, Ibanez (produit en coopération avec Maxon) a lancé l'overdrive TS808 Tube Screamer, suivi plus tard par le TS9.
Au lieu de déformer et détruire complètement le son comme une pédale fuzz, le Tube Screamer relevait les fréquences médianes, coupait les basses et faisait saturer les amplis à lampes de manière naturelle et crémeuse. Quand le géant du blues Stevie Ray Vaughan a branché le TS808 (puis le TS9 et TS10) devant ses amplis Fender puissants pour façonner son son massif de Texas Blues, la pédale est devenue une légende absolue.
Aujourd'hui, le Tube Screamer est probablement la pédale d'overdrive la plus copiée et clonée au monde. Une belle ironie pour une entreprise qui a commencé comme simple copieur.
Le guide de la gamme Ibanez pour patsguitars.de : Quelle série te correspond ?
Ibanez propose aujourd'hui un portefeuille extrêmement large, presque déroutant. Si tu cherches sur le marché de l'occasion ou dans les boutiques en ligne, la quantité de combinaisons de lettres et de chiffres peut être confuse. Voici un aperçu détaillé des niveaux de qualité pour y voir plus clair :
| Série | Pays d'origine | Groupe cible | Particularités & Caractéristiques |
| GIO | Chine / divers | Débutants | Très bon rapport qualité-prix. Instruments d'entrée de gamme solides, reprenant l'apparence des modèles haut de gamme. |
| Standard | Indonésie | Amateurs & Intermédiaires | La colonne vertébrale d'Ibanez. Matériel solide, énorme variété de modèles (RG, S, AZES), de véritables "bêtes de scène". |
| Iron Label / Axion Label | Indonésie | Metal / Prog Moderne | Esthétique sombre, électronique souvent simplifiée (pas de potentiomètre de tonalité), équipée de micros Fishman Fluence ou Bare Knuckle coûteux, souvent disponible en Multi-Scale (frettes en éventail). |
| Premium | Indonésie | Ambitieux & Semi-Professionnels | Souvent visuellement au niveau J.Custom (tables en bois de racine, etc.). À noter le "Premium Fret Edge Treatment" (bords de frettes arrondis en boule) pour une sensation de jeu ultra douce. |
| Prestige | Japon (Fujigen) | Professionnels & Passionnés | Le "Sweet Spot" de la qualité. Artisanat japonais impeccable de l'usine Fujigen. Équipé du meilleur matériel Gotoh et des bois les plus fins. Une fois qu'on a joué une Prestige, on ne veut souvent plus rien d'autre. |
| J.Custom | Japon | Collectionneurs & Élites | Le meilleur du meilleur. Bois maîtres soigneusement sélectionnés, incrustations complexes "Tree of Life", fabriqués en petites séries dans l'atelier personnalisé japonais. |
Le conseil vintage de Pat : Si tu cherches sur le marché de l'occasion le meilleur rapport qualité-prix, surveille les premiers modèles "Made in Japan" (MIJ) de l'usine Fujigen entre 1987 et environ 2003. Des modèles comme la Ibanez RG550, la RG570 ou la première S540 offrent souvent une qualité de prestige authentique (avec les vibratos Edge originaux et indestructibles) pour une fraction du prix neuf actuel. Seul bémol avec les anciens modèles : fais attention aux microfissures au niveau de la jonction du manche (fissures du neck pocket) – elles sont presque systématiques sur les Ibanez de cette époque, mais restent généralement un défaut esthétique dans le vernis !
Conclusion : Le mythe de la perfection japonaise
L'histoire d'Ibanez est une histoire sans précédent d'adaptabilité, de courage et d'ingénierie parfaite. Hoshino Gakki a rapidement compris ce dont les guitaristes avaient besoin – souvent avant même que les musiciens eux-mêmes ne le sachent. Ils sont passés de petit importateur à copiste talentueux, puis au pionnier absolu des innovations techniques.
Ibanez n'a pas seulement marqué la lutherie moderne, elle l'a définie pour des générations de musiciens. Des marques traditionnelles comme Fender et Gibson se reposent souvent (et à juste titre compte tenu de leur histoire) sur leurs lauriers vintage des années 50 et 60. Ibanez, en revanche, pousse toujours l'évolution plus loin. Ils n'hésitent pas à concevoir des profils de manche asymétriques, tester de nouveaux matériaux ou fournir aux sous-cultures comme la scène Djent exactement l'outil dont elles ont besoin.
Une Ibanez est plus qu'un simple morceau de bois avec des cordes. C'est un outil de haute précision et un témoignage que la précision artisanale, l'audace d'un design non conventionnel et une écoute attentive des souhaits des musiciens peuvent propulser une marque du rang d'ombre des géants jusqu'au sommet.
Que tu joues une vieille Les Paul Lawsuit, une RG550 usée des années 80 ou une Q-Series moderne sans tête : tu tiens toujours un morceau d'histoire de la musique entre les mains.
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